Jueves, Mayo 1, 2025
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Compañera Perfecta: La incompatibilidad del amor y la tecnología

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SINOPSIS: Iris descubre que es un robot sexual y cuando toma conciencia de sí misma,
decide vengarse de su pareja Josh.
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Poster oficial de Compañera Perfecta (2025)

La tecnología avanza a pasos agigantados cada día que pasa, llegando al punto en el que esta es capaz de cubrir por ti la necesidad más insignificante que puedas imaginar. Sin embargo, ¿qué pasará el día en el que podamos sustituir las relaciones con otros humanos y satisfacer nuestras necesidades tanto físicas como emocionales? Esa es una pregunta que Compañera Perfecta se atrevió a explorar de una manera entretenida, emocionante y cruda.

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Jack Quaid como Josh y Sophie Thatcher como iris

CONTIENE SPOILERS

Dirigida por Drew Hancock y protagonizada por Sophie Thatcher, quien ya nos sorprendió gratamente en el cine de terror con Hereje (2024), Compañera Perfecta sigue la historia de Josh e Iris, una pareja aparentemente de ensueño que se va de viaje a una propiedad en medio de la nada con unos amigos. Iris de inmediato siente una suerte de hostilidad hacia ella, y muy pronto descubrirá que no la desprecian por ser un robot de compañía, sino porque tienen un macabro plan contra ella.

Compañera Perfecta no es como otras películas basadas en una inteligencia artificial que se vuelve malvada. Esta película no te vende la típica trama de “el robot es malo porque es un robot”, sino al contrario, te vende que la tecnología creada por humanos para ayudar a humanos puede ser alterada por nosotros mismos para que esta haga daño. Iris es un robot profundamente emocional e inteligente, jamás es vendida como “mala”, y la alteración forzada de sus protocolos de ataque se convierte en un arma de doble filo para Josh y compañía, ya que Iris ataca simplemente para sobrevivir.

Aunque intenta probar el punto de que solo gente con inseguridades profundas adquirirían un producto así, Compañera Perfecta no se enfoca solamente en eso. La película da un agradable giro y no solo estudia ese aspecto, sino que juega con el tema del supuesto control que el humano ejerce sobre la máquina. ¿De verdad estamos en control de las máquinas, siendo que dependemos de ellas, en este caso emocionalmente?

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Compañera Perfecta es una mezcla perfecta entre el suspenso y el humor

La dinámica entre Iris y Josh es lo mejor de la película, ya que vemos a este robot despertar de su ensoñación al enterarse de que no es humana. El conflicto emocional en Iris es sumamente interesante de ver, ya que utiliza todo lo que sabe sobre sus emociones ligadas a Josh y logra sacar de eso una motivación nueva y personal. Una vez que adquiere el panel de control de Josh y se otorga un 100% de inteligencia, no solo se pone en control de sí misma, sino que se vuelve un ser más racional que los mismos humanos que la persiguen. 

La historia de los amigos de Josh, Eli y Patrick, son otro ejemplo de una relación ficticia de poder, sin embargo, podemos ver que Eli reconoce a Patrick como una persona y no un objeto, lo que le permite a este cumplir con sus funciones a pesar de ser consciente de su naturaleza. Kat mientras tanto, una mujer ambiciosa, ejemplifica cómo los robots pueden tener más sentimientos que un humano, al igual que Josh, que es simple y llanamente un incel que ve a Iris como un juguete sexual desechable, lo que le brinda a Iris más humanidad que a los humanos mismos.

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¿Una Sophie Thatcher desatada? We’re in!

Una vez que la violencia se desata, Iris se apodera de la película. Aunque es una típica dinámica del gato y el ratón, esta nunca tiene roles definidos, ya que es un constante cambio de poder entre personajes, dado que los robots pueden actualizarse o ralentizarse con un celular. Las muertes dentro de Compañera Perfecta son en su mayoría inesperadas y fenomenales, y la tensión que se palpa en el ambiente hasta el final es impresionante, ya que nunca sabes lo que va a pasar después.

En resumen, Compañera Perfecta hace un estudio de personajes muy interesante, ya que explora los matices de la humanidad, la inteligencia artificial y por supuesto, las emociones y el control de estas en el ser que sea. Sophie Thatcher como Iris la rompe, ya que consigue expresar el conflicto mental que sufriría un robot que se está descubriendo a sí misma y Jack Quaid también se roba las miradas, ya que utiliza su imagen de niño bueno para después cambiar drásticamente, haciendo de esta película una excelente y ligera experiencia mientras la trama se desenvuelve. Le damos un 9/10.

Dirección: Drew Hancock
Año: 2025
País: Estados Unidos
Duración: 1 hora y 37 minutos
Elenco: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Harvey Guillén, Lukas Gage, Megan Suri, Rupert Friend

Amenaza en el aire: una cinta sobre lo fácil que es aprender a pilotear una avioneta

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Mañana, 30 de enero, llega a los cines Amenaza en el aire, la nueva película de acción y suspenso dirigida por Mel Gibson. Con un reparto encabezado por Mark Wahlberg, Michelle Dockery y Topher Grace, esta intensa historia promete mantener a la audiencia al borde de sus asientos.

La trama sigue a un piloto que transporta en su avioneta a una teniente general encargada de proteger a un testigo clave en un juicio contra la mafia. Sin embargo, lo que parecía una misión directa se convierte en una lucha por la supervivencia a medida que enfrentan peligros inesperados en pleno vuelo.

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Amenaza en el aire logra mantener la tensión a lo largo de su duración, combinando amenazas tanto dentro de la avioneta en la que está ambientada la historia como factores externos que incrementan la sensación de peligro constante. La película se apoya en una atmósfera claustrofóbica que consigue sumergir a la audiencia en la situación desesperada de sus protagonistas.

A pesar de que Mark Wahlberg aparece en primer plano en el póster promocional, su personaje, a pesar de ser el antagonista, pierde relevancia en cierto punto de la trama. La construcción de este villano parece forzada, acumulando tantas características propias de un “malo” que termina por convertirse en una caricatura, restándole impacto a la amenaza que representa.

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En contraste, Michelle Dockery, quien debería ser la verdadera imagen de la película, asume el papel protagónico con solidez. Su personaje, marcado por la culpa y la búsqueda de redención, tiene una construcción interesante que lo hace sentir más realista, ya que no se presenta como alguien infalible. Sin embargo, a nivel de guion, su desarrollo podría haber sido más profundo.

Por otro lado, Topher Grace y Monib Abhat aportan el alivio cómico en medio de la tensión, funcionando como un contrapeso a la intensidad de la historia. Sin embargo, el personaje de Grace, en particular, se vuelve repetitivo y puede llegar a agotar rápidamente a la audiencia.

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La película busca sumergir a la audiencia en la experiencia de estar dentro de la avioneta, con un uso destacado de los paisajes aéreos y una puesta en escena que transmite lo fácil que parece pilotar una aeronave de este tipo. Aunque no es una propuesta innovadora dentro del género, Amenaza en el aire consigue entretener con su atmósfera de peligro constante y sus momentos de acción bien ejecutados.

Año: 2025
País: Estados Unidos
Duración: 1 hora y 31 minutos
Dirección: Mel Gibson
Elenco: Mark Wahlberg, Michelle Dockery, Topher Grace, Monib Abhat, Atanas Srebrev, entre otros.

Hombre lobo: una nueva visión del clásico mito del licántropo

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Ayer, 23 de enero, llegó a los cines Hombre Lobo, la nueva y escalofriante película de terror de Blumhouse, dirigida por Leigh Whannell. Con un elenco encabezado por Christopher Abbott, Julia Garner y Matilda Firth, esta reinvención del mito del licántropo promete sumergir a la audiencia en una pesadilla llena de tensión y horror.

La historia sigue a Blake (Christopher Abbott), un hombre que, tras la misteriosa desaparición de su padre, hereda la aislada casa de su infancia en la zona rural de Oregón. Con su matrimonio en crisis, convence a su esposa Charlotte (Julia Garner) de pasar unos días en la propiedad junto a su pequeña hija Ginger (Matilda Firth). Sin embargo, lo que comienza como un intento de reconstrucción familiar se convierte en una lucha desesperada por la supervivencia cuando son atacados por una presencia invisible en medio de la noche.

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Hombre Lobo ofrece una nueva visión del clásico mito del licántropo, alejándose de la idea tradicional de una dualidad entre lo humano y lo salvaje. En lugar de presentar una transformación intermitente, la película unifica ambas facetas, mostrando cómo la bestia y la persona coexisten en todo momento. Este enfoque novedoso agrega una capa de horror más visceral y psicológico, intensificando la sensación de peligro constante.

Uno de los aspectos más interesantes de la película es su justificación científica para la existencia de los hombres lobo. A diferencia de otras historias donde la transformación se vincula con lo místico o lo sobrenatural, aquí se presenta de manera más cercana a una infección biológica, lo que la asemeja en algunos aspectos a las películas de zombies. Sin embargo, esta explicación no se desarrolla en profundidad; la cinta apenas ofrece unas pinceladas sobre el origen de los hombres lobo al comienzo, sin explorar más allá.

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El conflicto matrimonial entre el protagonista, Blake, y su esposa Charlotte también queda algo desdibujado. Se menciona que su relación está en crisis, pero no se profundiza más allá. Esto hace que el drama familiar pierda algo de impacto, especialmente considerando que el mensaje central de la película gira en torno a la protección de la familia a cualquier costo.

Julia Garner, una actriz de gran talento, tiene un papel clave en la historia, pero su actuación deja un sabor agridulce. Su personaje se siente plano y con poco desarrollo. Esto se vuelve más evidente a medida que avanza la trama y su rol adquiere mayor importancia.

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A pesar de estos aspectos, la película brilla en el apartado visual. El maquillaje y los efectos prácticos están muy bien logrados, y el uso de recursos visuales y auditivos para mostrar en primera persona la transformación del personaje principal es una decisión creativa acertada. No obstante, en ciertos momentos la película juega con el recurso de no mostrar lo que ven los personajes, dando la sensación de que incluso ellos mismos no lo han percibido, lo que puede resultar confuso o forzado.

En términos de atmósfera, Hombre Lobo mantiene una constante tensión, con la anticipación de que algo siempre está por suceder. Pero más allá del horror, la película también sorprende con una carga emocional inesperada. Su historia es, en el fondo, sobre la familia y hasta dónde se está dispuesto a llegar para proteger a quienes se ama, aunque eso implique causarles daño sin querer. Esta combinación de terror y emotividad da como resultado una experiencia cinematográfica inquietante y conmovedora a la vez.

Hombre Lobo ofrece una visión innovadora del mito del licántropo, combinando terror y emoción en una historia donde lo humano y lo salvaje coexisten. Aunque su desarrollo narrativo deja algunas preguntas sin resolver, especialmente en torno al trasfondo de los personajes y la explicación de la licantropía, destaca por su atmósfera tensa y su apartado visual y auditivo. Con una mezcla de horror visceral y drama familiar, la película plantea una reflexión sobre el instinto de protección y sus posibles consecuencias, convirtiéndola en una propuesta interesante dentro del género.

Año: 2025
País: Estados Unidos
Duración: 1 hora y 43 minutos
Dirección: Leigh Whannell
Elenco: Christopher Abbott, Julia Garner, Matilda Firth, Sam Jaeger, entre otros.

El robo perfecto: Pantera-Una secuela ambiciosa, pero insuficiente

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SINOPSIS: Esta película comienza inmediatamente después de los acontecimientos de El Robo Perfecto. En esta edición Donnie Wilson (O’Shea Jackson Jr.) escapa a Europa, donde comenzará a planear su próximo atraco. Conocedor de lo que este astuto criminal es capaz, Nick O’Brien (Gerard Butler) deja a su familia en Los Ángeles y viaja hasta Europa para tratar de dar caza a Donnie.
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Ya está en cines El Robo Perfecto: Pantera, secuela de la película de acción El robo perfecto (2018) Gracias a Diamond Films, podemos disfrutar nuevamente de Big Nick (Gerard Butler) y Donnie (O’Shea Jackson Jr.), bajo la dirección de Christian Gudegast, quien regresa para expandir el universo presentado en la primera entrega.  Por cierto, recomendamos ver la primera película antes, la cual se encuentra en algunas plataformas de streaming.

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La trama sigue al detective “Big Nick” O’Brien, interpretado por Gerard Butler, quien enfrenta una nueva y peligrosa misión en Europa. Esta vez, su objetivo es localizar al conductor de fugas Donnie Wilson (O’Shea Jackson Jr.) mientras intenta desmantelar un ambicioso robo de diamantes. El filme no solo se centra en los aspectos técnicos del atraco, sino también en las tensiones personales y morales que rodean a sus personajes.

A diferencia de su predecesora, El Robo Perfecto: Pantera apuesta por un enfoque más global, explorando nuevas dinámicas en un entorno internacional que refleja la sofisticación y los riesgos del crimen organizado. Este cambio de escenario no solo aporta frescura a la narrativa, sino que también permite una mayor diversidad en los conflictos y las relaciones entre los personajes.

Gerard Butler entrega una actuación carismática y llena de intensidad, mostrando a un Big Nick más vulnerable y obsesivo. Por su parte, O’Shea Jackson Jr. logra equilibrar la astucia de Donnie con un aire de fragilidad que lo hace un personaje más humano.

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No obstante, a lo anterior dicho, esta secuela creemos que es inferior a la cinta predecesora. La relación entre ambos personajes protagonistas, que intenta evolucionar hacia una especie de empatía mutua, no se siente fundamentada en la narrativa, debilitando uno de los pilares de la trama.

Uno de los puntos más flojos de la película es el desarrollo de los miembros de la banda Pantera, quienes carecen de relevancia y quedan relegados a un segundo plano. Además, al intentar ampliar los límites del género, el filme introduce subtramas como un romance y los problemas personales de Nick, pero estas temáticas no se desarrollan lo suficiente como para tener un impacto significativo.

En cuanto a la acción, aunque las secuencias están bien elaboradas, carecen de la intensidad y el ritmo que caracterizaban a la entrega anterior. Esto se hace especialmente evidente en una duración prolongada que no logra mantener el dinamismo necesario para un filme de acción.

A pesar de sus deficiencias, la película logra sorprender con algunos giros argumentales efectivos, similares a los que hicieron destacar a la primera entrega. Esto deja la puerta abierta para una posible continuación, aunque El Robo Perfecto: Pantera se siente como una secuela innecesaria en comparación con el impacto de su predecesora.

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El Robo Perfecto: Pantera intenta expandir su universo con una propuesta más ambiciosa, pero no alcanza el nivel de la película original. A pesar de contar con giros argumentales interesantes, el desarrollo de personajes secundarios, las subtramas poco aprovechadas y la acción menos impactante hacen que esta entrega quede a la sombra de su antecesora. Ideal para quienes disfrutan del género, pero con expectativas moderadas

Dirección: Christian Gudegast
País: Estados Unidos
Año: 2025
Duración: 108 minutos.
Elenco: Gerard Butler, O’Shea Jackson Jr. , Michael Bisping, Salvatore Esposito, Orli Shuka, Evin Amand, Cristian Solimeno, Nasmiye Oral

Emilia Pérez: la película más polémica del 2024

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Grandes nominaciones para tremendas peliculas Agradecemos el apoyo a estas obras que se estrenaron y estan por estrenar ️bfdistribution premios globosdeoro nominaciones cine

Hoy, 23 de enero, llega a los cines Emilia Pérez, gracias a la distribución de BF Distribution. Dirigida por Jacques Audiard, esta ambiciosa película musical combina thriller y drama en una historia de transformación y redención. Protagonizada por Karla Sofía Gascón, Selena Gomez, Zoe Saldaña y Adriana Paz, la cinta sigue la historia de una abogada que es contratada para ayudar a un poderoso capo del narcotráfico a desaparecer y reinventarse como la mujer que siempre quiso ser.

Estrenada en el Festival de Cannes 2024, Emilia Pérez recibió elogios de la crítica y obtuvo el premio del jurado, además del galardón a la mejor interpretación femenina para su elenco principal. 

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Emilia Pérez es una película que, aunque no lo indique explícitamente, parece estar dividida en tres partes claramente diferenciadas. La primera parte se centra en el periodo previo a la transición de la protagonista, introduciendo a los personajes y estableciendo el contexto de la historia. En la segunda parte, después de la transición de Emilia Pérez, el foco se traslada al tema de la redención, explorando cómo su nueva vida contrasta con su pasado criminal. Finalmente, la tercera parte se siente distinta a las anteriores y un tanto fuera de lugar, con un tono más pasional e intenso. Da la impresión de que la historia necesitaba forzar un conflicto para llegar a un desenlace trágico.

El cambio de sexo y la redención son los temas centrales de la película. Mientras que el primero no se profundiza demasiado, el segundo es tratado de manera más reflexiva. La historia plantea la pregunta de cuántas buenas acciones son necesarias para redimir a alguien con un pasado lleno de crímenes. Este cuestionamiento permite que la audiencia reflexione sobre la moralidad y la posibilidad de redención en distintos contextos. Además, la película vincula esta idea con el tema de las personas desaparecidas, lo que para el público chileno puede resonar de manera especial debido a su propia historia nacional.

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La elección de presentar la historia como un musical es, sin duda, una decisión creativa. Si bien este enfoque le resta seriedad a ciertos momentos, la película evita caer por completo en la banalización de sus temas. No obstante, hay varios números musicales que pudieron haberse omitido sin afectar el desarrollo de la trama.

En cuanto al elenco, a pesar de la controversia en torno a su selección, en general no se realizó un trabajo terrible. Sin embargo, es necesario destacar la actuación de Zoe Saldaña, quien logra uno de los desarrollos de personaje más sólidos de la película. Su interpretación, combinada con sus números musicales, es uno de los aspectos mejor logrados de la producción.

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Otra controversia que ha rodeado Emilia Pérez es la percepción de que resulta ofensiva para parte del público mexicano. Sin minimizar estas críticas y reconociendo que la película pudo haberse beneficiado de una investigación más profunda, es importante verla como una obra de ficción contada desde el punto de vista del director, y no como un retrato fidedigno de la realidad mexicana. Además, la historia presenta algunos problemas a nivel de guion que refuerzan su carácter de ficción.

La película ha recibido numerosas opiniones negativas, quizás influenciadas por los premios y nominaciones que ha obtenido en esta temporada. Sin embargo, no es una mala película. Tampoco es la mejor, pero su reflexión sobre la redención la hace una experiencia cinematográfica interesante. Por ello, es recomendable verla con expectativas bajas, ya que esto puede permitir que se disfrute más su propuesta.

Emilia Pérez es una película que, pese a sus controversias y altibajos narrativos, logra destacar por su reflexión sobre la redención y su audaz apuesta como musical. Con la actuación memorable de Zoe Saldaña, la cinta ofrece una experiencia que, aunque imperfecta, merece ser vista con una mente abierta y expectativas bajas.

Año: 2024
País: Francia / Bélgica / México / Estados Unidos
Duración: 2 horas y 12 minutos
Dirección: Jacques Audiard
Elenco: Karla Sofía Gascón, Selena Gomez, Zoe Saldaña y Adriana Paz, entre otros.

Patio de Chacales: entre los secretos del barrio y el eco del miedo

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SINOPSIS: Ambientada en 1975, la película cuenta la historia de Raúl, un maquetista que vive tranquilamente en un barrio aparentemente apacible. Sin embargo, la llegada de nuevos vecinos desata una espiral de eventos violentos que revelan los oscuros secretos que se ocultan tras las puertas cerradas. Con una propuesta visual y sonora que pone énfasis en lo no visto, el filme desafía al público a construir la narrativa junto al protagonista, sumergiéndolos en un inquietante juego de percepción.
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La ópera prima de Diego Figueroa, Patio de Chacales, se posiciona como una de las propuestas más audaces del cine chileno reciente, explorando los confines del drama y el terror psicológico con un pulso firme y una visión inconfundible. Ambientada en 1975, en pleno periodo de convulsiones políticas y sociales, la película sigue a Raúl (Néstor Cantillana), un maquetista cuyas rutinas y certezas se ven trastocadas con la llegada de nuevos vecinos al barrio. Este evento, en apariencia inocuo, desata una serie de situaciones inquietantes y violentas que lentamente van revelando las oscuras dinámicas del entorno y los secretos más sombríos de su comunidad.

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Patio de Chacales está basada en el cortometraje Los Vecinos (2018), también dirigido por Diego Figueroa. Este trabajo previo exploraba temas similares de tensión vecinal y secretos oscuros, sirviendo como base para desarrollar una narrativa más amplia y compleja en el largometraje. La transición de Figueroa de un cortometraje a un largometraje demuestra su capacidad para expandir su visión artística, profundizando en los personajes y en la atmósfera inquietante que caracteriza la historia.

La película apuesta por la exploración psicológica, aunque desde un prisma colectivo. Más allá del contexto histórico, la película se sumerge en las emociones de sus personajes, atrapados en un entorno hostil y lleno de incertidumbres. No busca ser un retrato histórico fiel, sino un ejercicio de ficción que completa las grietas de la realidad con un lenguaje cinematográfico poderoso.

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El peso de la narración recae fuertemente sobre el elenco, con actuaciones sobresalientes que elevan el material. Cantillana lleva a Raúl con una mezcla de vulnerabilidad y tensión contenida, mientras que Blanca Lewin, aporta una presencia magnética que complementa perfectamente con el protagonista. Otras actuaciones como la de Juan Cano,  refuerzan la sensación de un entramado social asfixiante y ambiguo, de hecho es sorprendente lo que genera su personaje carente de diálogos.

En cuanto a su realización, la cinematografía de Figueroa es un punto fuerte. La cámara refleja la tensión latente, mientras que los contrastes de color se utilizan con maestría para enfatizar el choque entre el mundo exterior y la vida interior de los personajes. Los tonos cálidos representan refugios efímeros, mientras que los fríos y oscuros capturan la amenaza constante de su entorno.

La producción es digna de elogio. Cada detalle contribuye a construir un ambiente creíble y cargado de simbolismo. Los espacios cerrados y los objetos cotidianos se convierten en piezas clave para contar la historia, funcionando como extensiones de la psicología de los personajes. En cambio la dirección de sonido, es todo un espectáculo, quizás a más de alguno le puede parecer una similitud a Zona de interés (2023) 

Patio de Chacales  sutileza narrativa de otros dramas chilenos contemporáneos, su capacidad para generar angustia y reflexión la convierte en una experiencia cinematográfica memorable. Como en las mejores obras de género, la película encuentra en sus elementos terroríficos un medio para hablar de algo más profundo: la naturaleza del miedo colectivo y las heridas invisibles de una época convulsa.

DESDE 23 DE ENERO YA EN CINES.

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Patio de Chacales no es solo un gran debut para Diego Figueroa, sino también una invitación a seguir explorando los límites del cine chileno, desafiando convenciones y adentrándose en terrenos poco transitados. Una película que, sin duda, dejará una marca en quienes se atrevan a enfrentar su intenso y perturbador relato.

Dirección: Diego Figueroa
País: Chile
Año: 2025
Duración: 108 minutos.
Elenco: Néstor Cantillana, Blanca Lewin, Grimanesa Jiménez, Consuelo Holzapfel, Juan Cano, Rodrigo Pérez, María Jesús Marcone, Pablo Schwarz

La Tumba de las Luciérnagas: Un Relato de Luz en la Oscuridad de la Guerra

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SINOPSIS: Hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, el joven Seita y su hermana pequeña Setsuko quedan huérfanos durante un ataque aéreo en Kobe, Japón. Refugiados en un búnker y con sus raciones de comida agotadas, ambos lucharán por sobrevivir en medio de la hostilidad.
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Gracias a Cinetopia Chile a partir de este jueves 23 de enero podremos disfrutar de una de las películas de animación japonesa más emotivas: La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no haka, 1988), película ambientada en los fines de la Segunda Guerra Mundial. Estreno por primera vez en nuestros cines.

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La Tumba de las luciérnagas, basada en la novela homónima de Akiyuki Nosaka, es una historia donde conoceremos a Seita y Setsuko, dos hermanos japoneses que luchan por sobrevivir tras perderlo todo en los bombardeos sobre Kobe. La película, dirigida por Isao Takahata y producida por Studio Ghibli, es una obra profundamente humana que explora los horrores de la guerra desde la mirada de la infancia, construyendo un relato íntimo y devastador.

La película se estrenó originalmente en 1988 en Japón programada en función doble junto con Mi Vecino Totoro y fue ampliamente admirada por críticos y audiencias, llegando a ser elegida la sexta mejor película del año por la respetada revista de cine japonesa Kinema Jumpo. Posicionada en el portal IMDB dentro de las mejores 40 películas de todos los tiempos, fue galardonada con el Premio Mejor Película en el Festival internacional de Cine de Chicago en 1994.

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La conexión emocional entre los hermanos, con la guerra como un telón opresivo, es el eje central. Takahata retrata su impacto en las vidas humanas más que en los eventos históricos. A través de flashbacks (De hecho, el primer diálogo de Seita nos dice cual es el final)  y recuerdos, la historia se despliega como una dolorosa carta de despedida que nos muestra no solo los horrores externos de la guerra, sino también el desgaste emocional que provoca.

La animación, lejos de ser un medio ligero para una historia tan trágica, se convierte en una herramienta poderosa que demuestra que el anime trasciende los clichés de historias fantásticas o peleas espectaculares. En este film, los detalles meticulosos en los fondos y los movimientos de los personajes nos sumergen en un Japón devastado, pero también en pequeños momentos de esperanza. Cada luciérnaga que ilumina la noche representa una chispa de humanidad en medio de la oscuridad. (Quienes hayan puesto atención en el poster también verán otro simbolismo)

La narrativa se sostiene principalmente en la relación entre Seita y Setsuko, cuyas interpretaciones vocales son sobresalientes. Los seiyus (actores de voz) logran transmitir una pureza emocional que desarma al espectador, haciendo que cada pequeño gesto de amor o desolación se sienta como un golpe al corazón. Aunque no hay secundarios que roben el foco, la aparición de personajes como la tía, símbolo del egoísmo y la desconfianza que florecen en tiempos de escasez, complementa el cuadro devastador de la película.

Desde el punto de vista visual, La Tumba de las Luciérnagas utiliza un contraste constante entre lo bello y lo terrible. Los colores cálidos del campo y las luciérnagas contrastan con los grises y marrones opacos de la ciudad destruida. Aunque la película haya cumplido 37 años ha envejecido muy bien. A la vez, la banda sonora de Michio Mamiya añade un nivel más de profundidad emocional, con piezas que oscilan entre la melancolía y la desesperanza.

Si bien algunos podrían argumentar que el dramatismo de la película es demasiado explícito, la verdad es que este enfoque es esencial para transmitir la brutal realidad de la guerra. La Tumba de las Luciérnagas no es una película para ver con ligereza, pero es una obra maestra que obliga al espectador a reflexionar sobre la humanidad y la resistencia en los momentos más oscuros.

A gusto personal, es una de las películas más desgarradoras de Studio Ghibli, una experiencia que te deja marcado, como pocas, por su honestidad y belleza. Que no importa cuantas veces se vea, las sensaciones siempre terminaremos con un río de lágrimas en nuestras mejillas.

La película tendrá funciones subtituladas como dobladas. Así que si ya vieron la película es una gran oportunidad para verla en la pantalla grande y para quienes no la conocen es sin duda un regalo que vale la pena ser apreciado.

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La tumba de las luciérnagas es mucho más que una película sobre la guerra; es un retrato desgarrador de la fragilidad humana, del amor fraternal y de cómo, incluso en los momentos más oscuros, la luz puede persistir aunque sea efímera, como las luciérnagas que dan título a la obra. Isao Takahata nos invita a reflexionar no solo sobre el costo humano de los conflictos bélicos, sino también sobre nuestra propia capacidad de empatía y resistencia.

Dirección: Isao Takahata
País: Japón
Año: 1988
Duración: 89 minutos.
Elenco (voces): Tsutomu Tatsumi, Ayano Shiraishi, Yoshiko Shinohara, Akemi Yamaguchi

Desde aquí a lo desconocido, memorias: un retrato íntimo y conmovedor de la vida de Lisa Marie Presley

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Novedad literaria de Penguin Chile bajo el sello de Plaza & Janés, Desde aquí a lo desconocido de Lisa Marie Presley y Riley Keough son las esperadas memorias póstumas de la hija de Elvis Presley.

El libro se centra en la vida de Lisa Marie Presley, explorando su experiencia como hija del legendario Elvis Presley y su crianza en Graceland. A través de memorias sinceras y conmovedoras, recopiladas antes de su muerte en 2023, la obra revela su vulnerabilidad y lucha por ser comprendida. Su hija, Riley Keough, transforma estas grabaciones en un testimonio íntimo que permite conocer a Lisa Marie más allá del mito, mostrando su verdadera esencia con una honestidad impactante.

“Las circunstancias modelan a una persona, pero hay una parte de ti que procede tu espíritu, y el espíritu de mi madre [Lisa Marie Presley] rebosaba amor maternal.”

Las memorias de Lisa Marie Presley ofrecen un retrato íntimo y conmovedor de su vida, marcada por la figura de su padre, Elvis Presley, pero también por su propia lucha interna. En la primera parte del libro, la autora rememora su infancia junto a Elvis y el impacto devastador de su fallecimiento. Aunque su presencia es constante a lo largo de las páginas, este no es un libro sobre él, sino sobre su hija y su compleja travesía personal.

Lisa Marie brinda una perspectiva distinta sobre sus padres, presentando a Elvis como un padre afectuoso y presente, en contraste con Priscilla Presley, a quien describe como una madre controladora y, en muchos momentos, negligente. No obstante, el libro también aborda la reconciliación entre madre e hija, lo que añade una capa de profundidad a la narrativa. Estas memorias llegan en un contexto en el que la vida de Elvis ha sido revisitada en el cine, con películas como Elvis de Baz Luhrmann y Priscilla de Sofía Coppola, lo que refuerza el interés en conocer más sobre su legado desde una mirada personal.

“Soy consciente de que yo actuaba a veces como una princesa. Pero es raro, porque era -soy- muy insegura. Resultaba todo muy desconcertante.”

Uno de los mayores aciertos del libro es la sinceridad con la que Lisa Marie expone sus inseguridades, conflictos internos y la constante lucha entre su imagen pública y su realidad personal. No esquiva los temas difíciles: habla abiertamente sobre los abusos que sufrió, sus adicciones en distintos momentos de su vida y situaciones que pueden resultar incómodas o incluso cuestionables. Su franqueza convierte estas memorias en un testimonio poderoso sobre la fragilidad humana.

El libro también intercala los testimonios de Lisa Marie con anotaciones de su hija, Riley Keough, lo que enriquece la narración al ofrecer dos perspectivas distintas. No solo conocemos la vida de Lisa Marie, sino también la de Riley, lo que convierte estas memorias en una exploración de dos generaciones marcadas por la fama, el dolor y la búsqueda de identidad.

“Pero no me resultaba fácil hacer amigos. Todavía me resulta difícil. Tal vez pensaban que yo era una mocosa malcriada, cuando, de hecho, estaba simplemente aterrorizada.”

Sin embargo, uno de los aspectos que podría haberse trabajado mejor es la estructura del libro. A veces, la falta de un orden cronológico o temático más definido puede hacer que la lectura resulte confusa. Aun así, la intensidad emocional y la autenticidad del relato logran que estas memorias sean un testimonio valioso y revelador, que permite comprender a Lisa Marie Presley más allá del mito de su apellido.

Autoras: Lisa Marie Presley y Riley Keough
Editorial:
 Penguin Chile – Plaza & Janés
Saga/Autoconclusivo:
 Autoconclusivo
Nº de páginas: 292
ISBN13:
 9789566129806
Precio:
 $19.000

Los ecos del silencio: una novela histórica con tintes góticos y un trasfondo interesante

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SINOPSIS: HENRY SUEÑA CON EL SILENCIO.
Con un mundo sin el traqueteo de los carruajes en las calles adoquinadas, sin los gritos distantes de las peleas de borrachos, sin el incesante tictac del reloj. Entonces conoce a un misterioso y fascinante caballero que vende justo eso: una valiosa seda capaz de ahogar el clamor del mundo… y todo aquello de lo que Henry está desesperado por escapar.
Cuando solicitan su presencia en la aislada fábrica del señor Edward para que intente curar la sordera de su pequeña hija, Henry se ve arrastrado a los profundos orígenes de este obsequio sobrenatural, que ha viajado desde la antigua floresta mediterránea a las bibliotecas inglesas. Ignorando las repetidas advertencias de la reservada institutriz de la niña, se permite caer en el embrujo del señor Edward y de su seda. Pero cuando descubra cuál es su verdadero coste, ¿será demasiado tarde para dar marcha atrás?
Los ecos del silencio

En enero llegó a Chile la nueva novela de Bridget Collins, autora de El encuadernador y La traición de Montverre, llamada Los ecos del silencio. Esta novela a dos tiempos mezcla una novela histórica enfocada en sus personajes con tintes góticos y un pequeño aspecto fantástico que nos encantó.

Henry perdió a su esposa e hija y ahora vive el día a día en la tienda de su suegro cuando un empresario, Edward, le presente su seda milagrosa que proporciona silencio, Henry no dudará en trabajar para él y ayudarlo a que la seda sea un éxito en el mercado.

“Construimos muros para proteger nuestros cuerpos del mundo, pero dejamos nuestras mentes expuestas al asalto por todos los flancos”.

El libro fue narrado, principalmente, por Henry en el presente mientras iba lidiando con el duelo de su esposa, el conocer a Edward le ofreció la oportunidad de un poco de paz mental. Intercaladas a las partes de Herny, nos encontramos con entradas del diario de Sophia, una antepasada de Edward, y en este diario fuimos entendiendo el origen de la seda tan milagrosa del empresario.

La historia de Herny nos interesó al inicio, pues conocimos al personaje en su punto más bajo debido a la pérdida de su esposa e hija. El dolor que sentía y cómo lo acosaba a cada momento fue algo que nos gustó el cómo estuvo retratado, era un dolor tangible que podíamos entender y acompañarlo en el sentimiento. Sin embargo, a medida que los intereses de Herny fueron cambiando, costó entenderlo, sobre todo porque Herny fue defendiendo situaciones que no tenían defensa alguna solo por intereses personales. Podría haber resultado interesante que su personaje fuera egoísta o gris, no una persona buena como tal, pero no fue algo que la autora desarrollara.

“Vosotros, los hombres, vuestras religiones, sois todos iguales. Nos preguntas por las historias de viejos dioses y nos miras por encima del hombro como si nosotros nos las creyéramos, y te crees superior… y aun así tomas lo que quieres, como hicieron ellos”.

La parte que más nos gustó del libro fueron las entradas de Sophia. Al inicio eran confusas, pero a medida que avanzó nos comenzó a enganchar la tensión, pues Sophia y su esposo encontraron las arañas que tejían la seda milagrosa. Nos encantó leer los miedos de Sophia, la forma en que encontró cierta paz en Grecia y el cómo la relación con su esposo fue decayendo poco a poco. Si bien descubrir el origen de las arañas no era relevante para la trama, sí que fue lo que nos mantuvo más concentrados en la historia.

Probablemente, lo que menos nos gustó tuvo que ver con un giro final por parte de Edward. El libro tocó, de forma superficial, temas super interesantes relacionados a diferencias de clases sociales, capitalismo y explotación de los pobres. Sin embargo, la autora nunca profundizó en nada, lo dejó en frases soltadas como planes malévolos y quedamos con la sensación de que no logró sacarle el máximo provecho. A lo que se sumó que Henry era el narrador y nunca sintió interés en analizar o ponerse a reflexionar sobre el tema.

“Al mundo le gustamos más cuando somos dóciles y silenciosas, y no ocupamos más espacio del necesario. Más tarde le enseñaré a ser astuta, a encontrar su propio camino sin que parezca que se resiste, como el agua que escapa de las manos unidas de un hombre. Ella hará todo lo que yo no puedo hacer”.

Dentro de lo mismo, el único punto que la autora sí logró desarrollar un poco más fue el relacionado con la sumisión de Sophia y la relación con su esposo. En las entradas del diario, la autora logró tocar más temas como la libertad, los dioses y el lugar de la mujer. De hecho, hubiésemos disfrutado mucho más si las entradas de Sophia hubieran sido capítulos más largos, que tuviera más espacio porque Herny dejó de ser un personaje interesante cerca de la mitad del libro.

Los ecos del silencio es una novela con tintes góticos y de terror en la que un hombre que está viviendo un importante duelo se ve atraído por un empresario que vende una misteriosa seda. 

“Los dioses de los antiguos mitos eran infantiles, violentos, demasiado humanos. Allí, en aquella isla, se habían aferrado a algo más profundo, a algo misterioso, desconocido y amable. Más amable incluso que… Estaba a punto de escribir mi Dios. Pero ese ya no es mi Dios; James puede quedárselo para él, si le place. Si tengo un Dios, no es Él sino Ella, una que puede mantenerse tan firme como un árbol, cargando con el dolor de otra para que un niño pueda nacer”.

Autor: Bridget Collins
Editorial:
Ediciones Urano – Letas de plata
Saga/Autoconclusivo:
Autoconclusivo
Nº de páginas: 352
ISBN13:
9788492919628
Precio:
$25.900
Bridget CollinsBridget Collins (Inglaterra, 1981)-. Estudió Filología Inglesa en Cambridge e Interpretación en la Academia de Música y Arte Dramático de Londres. Después de haber publicado siete novelas juveniles de bastante éxito, El encuadernador ha sido una revelación en el Reino Unido. No solo se ha catapultado a lo más alto de las listas de más vendidos poco después de su publicación, batiendo récords de ventas y conquistando a la crítica y a los lectores, sino que la primera obra para adultos de Bridget Collins también se traducirá a once idiomas

Medium: ¿Una película de terror incomprendida?

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SINOPSIS: Descubriendo la verdad tras la muerte de la hermana con la ayuda de un maniquí de madera.
Medium Poster
Poster oficial de Medium (2024)

Medium es una película extraña pero no en un mal sentido, ya que posee todas las de ganar: una atmósfera tensa, un buen elenco, una historia intrigante y una “criatura” interesante, sin embargo, Medium hace todo lo contrario a lo que esperaríamos de una película de miedo con estos elementos. Una cinta intrigante que no se parece a nada de lo que hayamos visto últimamente dentro del género. ¿Es eso bueno o malo? Averigüemoslo. 

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Carolyn Bracken es el corazón de la película en su rol como Darcy y Dani a la vez

Ted y Dani compraron recientemente una propiedad en remodelación. Una noche, mientras Ted trabaja en el psiquiátrico, Dani es brutalmente asesinada y todas las pruebas concluyen que el culpable fue un expaciente de Ted. Un año después de su muerte, la hermana gemela de Dani, Darcy (una mujer ciega que posee una tienda de antigüedades) no está conforme con el veredicto, así que toma cartas en el asunto y se venga de los involucrados en la muerte de su hermana con la ayuda de un peculiar muñeco de madera. 

Medium tiene una atmósfera tétrica de principio a fin, ya que utiliza optimamente sus pocos escenarios que evocan soledad y a su vez maldad o misterio. La casa de Ted y Dani es una propiedad antigua muy lúgubre, y hace que desde el principio te cuestiones quién querría vivir ahí. La forma en la que Medium “asusta” es destacable, utiliza sus escenarios y crea tensión al jugar con tus expectativas, ya que de cierta forma te prepara para asustarte en algunas escenas pero no lo hace, haciendo que bajes la guardia y cuando menos te lo esperes, pasa algo inesperado. 

Sin embargo, no todo es tan idóneo como suena. Muchas veces el juego con las expectativas resulta un poco decepcionante, ya que no todas las escenas que juegan con tu mente resultan en algo emocionante. La trama es fascinante, sin embargo, no es satisfactoria en el sentido de que la película te deja esperando algo que no sucederá. Crear tensión para desaprovecharla es un crimen, sobretodo para un concepto bueno como este.

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El títere de madera, ícono central del marketing de Medium, no brilla como debería

La trama en torno al misterio del asesinato de Dani y el misticismo alrededor de Darcy y sus poderes sobrenaturales más la presencia del mítico títere de madera que inunda el marketing de Medium son un excelente gancho para el espectador, sin embargo, el resultado final de todo lo establecido por la película se siente insatisfactorio. No hay justicia, no hay muertes satisfactorias, el títere hace nada, el villano gana. Para muchos este aspecto es una propuesta fresca dentro del género, para nosotros hizo que la película perdiera su sentido.

No nos malinterpreten, amamos las películas que se salen de la norma, pero en esta ocasión no logramos conectar del todo con la historia. Simplemente hubo demasiados recursos malgastados, queríamos más de una premisa tan interesante. El personaje de Darcy es lo mejor de Medium y tiene un final tan injusto que llega a dar rabia, mientras que el muñeco de madera, que nos asustó en más de una ocasión sin siquiera moverse del todo, hizo casi nada. Está bien mantener el misterio ¡pero no se mueve hasta el final de la película y después SPOILER lo queman! Es un desperdicio.

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La tensión es un elemento muy bien utilizado en Medium

En conclusión, Medium es una película buena para quien goce una trama de cocción lenta. Tiene una atmósfera tétrica impresionante y un muy buen elenco, sin embargo no encontrarás jumpscares baratos ni muertes grotescas, es un thriller de suspenso con un grado de misterio que te mantiene lo suficientemente intrigado para seguir prestándole atención, entonces si te gusta el terror más digerible como un slasher o el mundo de El Conjuro, esta no es una película para ti. El muñeco de madera es bait pero vaya qué asusta. Le damos un 6.5/10, puede que más después de un análisis más profundo.

Dirección: Damian McCarthy
Año: 2024
País: Irlanda
Duración: 1 hora y 38 minutos
Elenco: Carolyn Bracken, Caroline Menton, Gwilym Lee, Steve Wall