Familia en Renta: la comedia que explora la soledad y el alquiler de afectos en Japón

Después de La Ballena (2022) que revivió la carrera actoral de Brendan Fraser, quizás muchos nos preguntábamos cuál iba a ser el siguiente gran proyecto en que participaría,  es cierto que actúo  en Los asesinos de la luna (2023). Pero es en Familia en Renta (Rental Family) donde vuelve a ser el protagonista; una comedia ambientada en un Tokio donde se explora una de las industrias más fascinantes y tristes de Japón: la renta de personas, una realidad que cada vez toma más fuerza.

La película la podremos disfrutar en salas nacionales desde este 8 de enero, lo que será un viaje no solo cultural, sino también de emociones. Acá te contamos de que trata:

Brendan Fraser: el gigante vulnerable

Fraser interpreta a Phillip, un actor estadounidense estancado en Tokio, atrapado en una vida que parece siempre a punto de comenzar, pero que nunca despega. Su carrera está en pausa, su último mediano éxito fue participar en un comercial de pasta de dientes, sus vínculos son casi inexistentes y su identidad parece diluirse entre audiciones fallidas y departamentos impersonales. En ese vacío emocional, Phillip encuentra trabajo en una agencia de “renta de familia”, un espacio donde la actuación deja de ser arte para convertirse en necesidad, cumpliendo roles como padre, compañero de videojuegos, novio para salvar apariencia, entre muchas más necesidades de los clientes. 

Lo notable de la actuación de Fraser es cómo logra transmitir una melancolía sin exageraciones. Phillip no es un oportunista: es un hombre roto, pero profundamente empático, que entiende que fingir puede ser una forma desesperada de conexión humana. Esa “tristeza bondadosa” que Fraser ha perfeccionado en los últimos años vuelve a aparecer aquí, pero con matices más sutiles y menos subrayados.  Lo que logra que Fraser pueda generar química con todos los actores japoneses con los que interactúa, pues su personaje está igual de solo como todos quienes contratan sus servicios.

La mirada de Hikari: más allá del choque cultural

Quizás el camino al que hubiera recurrido cualquier director sería a utilizar el recurso de “un extranjero perdido” en un país diferente, llenando la película de clichés y situaciones cómicas. Sin embargo, Hikari, hace algo que ya había demostrado en 37 Seconds (2019) opta por una aproximación mucho más respetuosa y profunda de la cultura japonesa.

No se nos muestra a Tokio como solo un lugar exótico, sino un espacio vivido, toda la arquitectura japonesa es importante en lo que se nos muestra:  departamentos pequeños, oficinas impersonales, calles llenas de gente que no se mira. La cámara se detiene en los márgenes, en los silencios incómodos, en los momentos donde nadie sabe muy bien qué decir. La cinematografía utiliza los espacios cerrados para acentuar la soledad de los personajes, pero siempre dejando entrar una luz cálida, casi reconfortante, como si recordara que aún es posible conectar.

Hikari no juzga esta industria; la observa. Y al hacerlo, convierte lo que podría ser un “choque cultural” en un retrato universal del aislamiento moderno, ese que no distingue idioma ni país; porque aunque esté ambientada en Japón, lo que se nos narra se vive en todo el mundo.

Conclusión

Es una película pequeña en pretensiones pero gigante en corazón. Aunque podríamos clasificarla como una comedia; no encontraremos solo risas, también muchas más emociones. Siendo la película una carta de amor a la actuación como herramienta de sanación y una crítica elegante a la soledad urbana de la sociedad japonesa, pero también general, donde muchas veces nos cuestionamos qué tan reales son los vínculos que tenemos.